El arte abstracto: el arte de lo inmaterial.
El cantar de los Colores
- El arte abstracto busca expresar la esencia de las cosas, tratando de mostrar la inmaterialidad de ellas, donde los colores son los que comunican y la naturaleza desaparece en figura, quedando plasmada como poesía en un lienzo; el espíritu del pintor o artista, que quiere comunicar a través de sus obras, los sentimientos de su alma.
- "Toda expresión artística es producto del contexto histórico que rodea su creación, pero su carácter artístico está determinado por como el artista consigue que, a pesar de ser determinantemente influenciado por su presente real, logra que su obra pueda cautivar a un espectador no sólo contemporáneo, sino también de muchas generaciones después del momento de su realización", Wassily Kandinsky.
El abstractismo, también conocido por sus sinónimos de arte no figurativo, arte no objetivo o arte no representativo, se entiende por aquel desarrollo que se dio en la pintura, arquitectura y en el dibujo a comienzos del siglo XX, aunque cabe mencionar que para fines del 1800, ya existían varios autores que elaboraban obras basadas en dibujos hechos a pluma, los cuales no contenían alguna determinación o forma.
La no figuración se desprende de cualquier vínculo de la realidad objetiva, incluso si esta realidad es el punto de partida imaginativa del autor. El abstracto en sí, rechaza las apariencias naturales y las sustituye por líneas, formas y colores, o bien, llega a usar materiales, a los cuales arranca de su naturaleza y los ordena según ritmos ycontrastes, independientes de cualquier referencia externa. De esta forma, la forma y el color tienen su propio peso artístico.
Con respecto a esto, el pintor chileno Carlos Maturana, Bororo, señala que el cantar de los colores “se me imagina el cómo es la realidad de la pintura hacia el espectador, y la pintura es como mostrar unos colores vibran de una manera y otros de otro y gracias a esa sensación recibes la comunicación, el mensaje o la palabra que tu quieres expresar. Los colores de alguna manera vibran y visualmente están cantando”. Afirma que el artista crea sus obras en torno a un lenguaje y, por lo tanto, los colores y forman se disponen de tal manera que digan algo. No importa si el espectador encuentra una obra bonita o fea, lo que importa es que puedan leer a través de él, y con ello ver lo que yo impongo, sentencia el pintor.
Aunque este tipo de práctica intenta retraerse de la realidad, ello no significa que el autor no se inspire en el mundo que lo rodea, en la vida diaria o en los sentimientos, sino más bien, lo que se busca es expresar de manera distinta las emociones, dejando de alguna forma al realismo. Este cambio es en definitiva lo que lleva al arte a una evolución, donde la figura queda atrás para transformar o convertir las cosas en inmateriales, plasmando en ellas sólo su esencia y dejando la materialidad de lado. Así, el compositor logra de manera satisfacer su búsqueda de progreso en el arte, sirviéndose de igual forma del material pictórico y plástico. Pero todo esto ¿para qué?, ¿qué es lo que se busca plasmar el artista en definitiva?.
En búsqueda de la inmaterialidad
Los inicios del arte no figurativo se puede situar en el año 1909, con el célebre pintor Wassily Kandinsky, quien descubrió de una forma bastante peculiar de la “no figuración” y que se conoce con el nombre de abstracción lírica. Kandinsky comenzó a observar una de sus telas que se encontraba al revés y se sintió fuertemente atraído por la forma que había tomado su obra en esa posición, Luego de un tiempo siguió plasmando sobre otras telas, estas “no figuraciones” que representaban sus emociones y su sentir. Esto, por lo que cuenta en su autobiografía, es que sus obras se veían “perjudicadas por los objetos” y se convenció de que si las convertía todas en no figuración, se permitiría a sí mismo estar más cerca del corazón de la naturaleza. A este lo que le importa es la mancha de color y la expresión de este en el lienzo.
En su obra de 1912, De lo espiritual en el arte, postula esta tendencia a plasmar en sus telas con total independencia la forma que un objeto tiene en la realidad de la que adopta según el artista. Este trabajo ha sido fundamental para comprender el arte del siglo XX.
Así Kandinsky, se comenzó a inspirar en el arte primitivo, el fauvismo y el arte popular, y comenzó a realizar en Munich, Rusia, sus primeras acuarelas en este estilo. Estas, se volvieron más coloristas, adquiriendo una organización mucho más libre, lo cual las hizo ir perdiendo contenido figurativo, abocándose y evolucionando hacia una pintura más abstracta. Fue uno de los artistas más influyentes de su generación. Como uno de los primeros exploradores de los principios de la abstracción geométrica o pura, puede considerársele uno de los pintores que sembró la semilla del expresionismo abstracto, escuela de pintura dominante desde la II Guerra Mundial. Malevich publica en 1915 Manifiesto del Suprematismo, con él, se inicia en Rusia la abstracción geométrica. Mihail Larionov y Natalia Gontcharova publican en 1909 el Manifiesto Rayonista. Con Malevich y el Suprematismo se va caminando hacia una plástica pura en las artes figurativas. El uso restringido del color y las formas simples, caracterizan el Suprematismo. Después Rodchenko siguió la misma línea.
La no figuración tuvo antecesores que prepararon la llegada de esta nueva forma de expresión, con los movimientos de vanguardia, que se desarrollaron después del impresionismo. Los artistas querían tratar de insinuar más que la forma real de una naturaleza, la impresión subjetiva de esta, y lo que había suscitado en ellos las imágenes de las mismas. Esta orientación se siguió durante un tiempo, con los post-impresionistas y simbolistas, y luego, más tarde con los fauves (en Francia), los expresionistas y los cubistas. Todos estos, motivados por desplazar el realismo ochocentista y llegar a un arte más plástico.
La abstracción geométrica es muy importante en Holanda con la aportación del grupo De Stijl, de 1917. La corriente abstracta se denominó Neoplasticismo, pronto contactaron con la Bauhaus alemana, se ponen a punto conocimientos comunes de arquitectura y pintura. En esta línea destacan Piet Mondrian y Theo van Doesburg. Se basan en una pintura que pretende la bidimensionalidad del plano. Se fundan en el empleo del rectángulo y del cuadrado. Se persigue la armonía aunque desechan la simetría. Se usan colores primarios: azul, rojo, amarillo. El blanco se usa como fondo neutro y el negro como lineal delimitatorio o contorno.
Doesburg adopta la línea diagonal, en pro de composiciones más dinámicas, y también amplía la gama cromática. También se puede proceder a la abstracción de la figura humana real o imaginaria, este es el caso de Paul Klee.
El arte abstracto también tiene que ver de manera específica con los cambios que se estaban dando dentro de si mismo. Así, la llegada de la fotografía en 1840 supuso una nueva crítica y un replanteamiento de la creación de los espacios exteriores. Muchos artistas se dedicaron a la creación de aspectos interiores, subjetivos y emocionales, logrando de esta manera, una consolidación a este nuevo arte que por algunos fue rechazado en un primer momento.
De este mismo modo, la evolución que tuvo el arte fue impulsada de igual manera por la tecnología, los cambios en las estructuras sociales y las modificaciones en el campo intelectual y científico. La Primera Guerra Mundial y los conflictos bélicos de igual forma tuvieron parte en esta evolución en el arte. Este modo de expresión, finalmente se convirtió en una manera de responder a los cambios que acontecían en aquella época. Para los artistas, el plasmar sus críticas a la sociedad en sus telas, daba a conocer su descontento o rechazo ante la manera en que se movía la humanidad en lo que fue el comienzo del siglo XX.
Todo está dentro del alma…
El arte abstracto intenta tomar forma definitiva a comienzos del siglo XX. Los pintores de la época comienzan a formar escuelas y postulan que la base fundamental de este nuevo “arte abstracto” se encuentra en el interior del artista, más que en el mundo exterior y lo que es el común denominador de la sociedad.
El pintor ya no se engloba en una naturaleza externa y comienza a buscar el alma de los objetos para retratarlos y plasmarlos en lienzos de forma inmaterial, tratando en gran medida que sean los colores los que expresen las ideas. Es por ello que, en ocasiones, hay quienes no tienen una idea básica de este tipo de obras pictóricas, y por ello, no logran comprender el sentido o el mensaje general que pretende mostrar o entregar un determinado cuadro.
El artista, con esta forma de expresión, se quiere tratar de abstraer de la naturaleza, esto es, captarla y darle una forma desde el criterio y punto de vista del él. Asimismo, el pintor le va proporcionando un nuevo carácter hasta que la obra demuestre una relación con el original, a partir de pequeños rasgos, o sencillamente hasta que se convierta en un dibujo irreconocible.
El pintor chileno Carlos Maturana, Bororo, se ha caracterizado por la intención de recuperar el carácter lúdico, moviéndose entre la abstracción y lo figurativo. Señala que esto se debe a que recurre a la mancha para crear sus obras, y que “en muchas partes puede ser abstracto, de hecho yo creo que las concibo de una manera abstracta, porque es la mancha la que va sugiriendo después la figuración. Entonces esta puede sugerir un cuadro también, o puede inspirar una atmósfera especial, o una imagen, una cara… entonces de la nada aparece esta figuración; ese es mi vínculo con lo abstracto, con eso que no tiene identidad”. Sin embargo percibe lo abstracto como algo con mucha más profundidad que el cuadro en si mismo. Para él es la inspiración, eso que lo incita a crear.
Abstracción no sólo en la pintura
El arte no objetivo como movimiento, no es único de la pintura, sino, este se ha extendido y ha llegado a otros aspectos artísticos como son la escultura y la arquitectura. El primer movimiento de arte no figurativo se comenzó a utilizar por los rusos, y con esto, el arte este tipo de arte no se remite tan solo a lienzos, y lega y se logra situar en ambos mundos.
Aquí los artistas utilizan materiales de la naturaleza y su alrededor para construir objetos no comunes, sacándolos de su contexto y dándoles uno no figurativo. Lo que se busca en este caso, es intentar otorgarle una forma al espacio, haciendo utilización de instrumentos como la madera, el vidrio o el metal. Así mismo ocurre en la arquitectura abstracta, que comienza a utilizar formas nuevas, las que se implementan para darles un sentido no objetivo a sus construcciones. Desde este punto de vista, el vacío adquiere igual importancia que los espacios que están ocupados.
Puntualmente, en el caso de la escultura, el papel que juega el color en la pintura es ocupado por el volumen en la escultura. El primer movimiento escultural abstracto es el constructivismo de los rusos. Algunos escultores destacados son el alemán Ans Arp y el inglés Henry Moore. El primero, inicialmente dadaísta, experimenta con materiales nuevos, como la cuerda y las tablas de madera. Se inspira en formas naturales pero las reduce a lo esencial, lo sugestivo e integra el color en sus composiciones, mientras que los temas favoritos de Moore son mujeres y niños yacentes que denuncian la influencia del arte maya, pero los reduce a curvas sólidas a penas reconocibles. También es importante en su obra el concepto de gruta y el valor del espacio vacío, de ahí que perfora muchas de ellas.
La misión de expresar
Este lenguaje, busca desprenderse de la inmaterialidad, buscando un realce en los colores y las formas, para que estos comuniquen algo al espectador. El artista no busca que se produzcan dificultades de comprensión a la hora de observar la cualquiera de sus obras, ellos pretenden que se entienda y la esencia que envuelve a está imnotice de alguna manera al espectador, que los disuada y los llevé a, va ver de otra forma el arte, y se alguna manera este individuo capte el alma de los objetos que ahí se presenten.
No obstante, quien presencie una obra de estas características, el como encuentre una pintura o escultura, va a depender en gran medida de los estados interiores de este, puesto que nunca serán las mismas. Del mismo modo, la forma de apreciar este tipo de arte, no va a ser para todos igual, puesto que para algunos puede representar algo, mientras que para otros, este significado no siempre será el mismo.
Ante esto, Bororo señala que la mejor clave para leer una obra abstracta es liberarse de cualquier prejuicio de que hay que ser culto o hay que tener conocimiento del arte, sino que hay que ponerse casi como un niño delante del cuadro. “Yo pienso que una persona que no tiene ninguna preparación cultural, solamente por esta comunicación visual que tiene con la pintura, puede acceder a lugares donde no se necesita de conocimiento… Cuando el cuadro dice algo, el cuadro ya esta trabajando”… Para ello, la clave para leer el arte abstracto es liberarse de cualquier prejuicio de que hay que ser culto o hay que tener conocimiento del arte, sino que hay que ponerse casi como un niño delante del cuadro. “Yo pienso que una persona que no tiene ninguna preparación cultural, solamente por esta comunicación visual que tiene con la pintura, puede acceder a lugares donde no se necesita de conocimiento”.
